Топ-5: фильмы про живописцев

«Творчество для художника – страдание, посредством которого он освобождает себя для нового страдания. Он не исполин, а только пёстрая птица, запертая в клетке собственного существования». Эти слова Кафки цитирует чешский литератор Густав Яноух в своей книге «Разговоры с Францем Кафкой». Кафка имел в виду художника в широком смысле, однако эти слова применимы и ко всем нашим сегодняшним героям-живописцам.


«Волк на пороге» (1986, Дания, Франция, режиссёр Хеннинг Карлсен)

Фильм рассказывает о французском постимпрессионисте Поле Гогене. Гоген – художник с интересной судьбой. Детство будущий живописец и скульптор провёл в Перу, юность – в морских путешествиях. Далее Гоген работал биржевым брокером, женился, стал многодетным отцом, завязал дружбу с импрессионистом Камилем Писсарро и постимпрессионистом ван Гогом. Однако действие фильма начинается позже, за 10 лет до смерти Гогена, в 1893 году. Гоген возвращается в Париж с Таити, где он крайне плодотворно работал в 1892 году. Гоген привозит свои новые полотна в Европу в надежде поразить публику, однако его выставка не вызывает фурора. Действие «Волка на пороге» охватывает именно тот небольшой период (1893—1895), когда Гоген после возвращения с Таити не смог получить должного признания и вынужден был вернуться обратно на тихоокеанский остров. Картины Гогена продаются плохо, брошенная жена его ненавидит. И даже полученное внезапно наследство не задерживается в руках художника. Название «Волк на пороге» достаточно точно отражает положение Гогена: зверь, который никогда не войдёт в дом. Интересно, что в Польше фильм известен под названием «Glodny wilk» («Голодный волк»), а оригинальное датское название картины – «Oviri» («Дикарь», по названию известной керамической скульптуры Гогена). Гоген действительно выглядит дикарём по сравнению с его друзьями-художниками. Он единственный, кто готов бросить всё и сбежать на далёкий экзотический остров. Он единственный, кто не боится ввязаться в жестокую уличную драку.

Перед нами вполне обычная биографическая драма, однако и в ней есть свои любопытные моменты, например, спор между Гогеном и выдающимся шведским драматургом Августом Стриндбергом. Причём эффект от спора усиливается тем, что обоих играют большие актёры: первого – Дональд Сазерленд, второго – Макс фон Сюдов. Режиссёр «Волка на пороге» – датчанин Хеннинг Карлсен, автор замечательного фильма «Голод» (1966), снятого по одноимённому роману Кнута Гамсуна.

 

«Климт» (2006, Австрия, Франция, Германия, Великобритания, режиссёр Рауль Руис)

Эта лента заметно контрастирует с предыдущим местом нашего топа. Если «Волк на пороге» – абсолютно реалистическое кино, то «Климт» заходит на территорию предсмертного бреда. Действие картины начинается в Вене в год смерти художника (1918). Великий австрийский модернист умирает в венской больнице, когда его приходит навестить его друг, молодой художник Эгон Шиле (примечательно, что Климта здесь играет Джон Малкович, а Шиле – сын Клауса Кински Николай). Умирающий Климт вспоминает историю своей страсти к женщине по имени Лиа де Кастро, прототипом которой была французская танцовщица Клео де Мерод. Лиа то появляется, то исчезает в воспоминаниях Климта, становясь символом ускользающей красоты. Временами зыбкое пространство воспоминаний художника подчёркивает изобретательная операторская работа, за которую ответственен заслуженный аргентинец Рикардо Аронович («Шум в сердце», «Главное – любить», «Бал»). Характерный эпизод: Густав трудится у себя дома, когда к нему приходит его подруга Миди. Густав наклеивает на свою очередную картину золотистую фольгу. В этот момент создатели фильма переводят его в жёлтую цветовую гамму, и мы видим перевёрнутое отражение Климта в стеклянном столе, где также отражается его собственная недоделанная картина. Климт становится частью своей собственной картины. Далее причудливая реальность картины полупрозрачной плёнкой переносится в воздух, а на губах Миди внезапно оказываются золотистые блёстки, словно и она – часть работы художника. Находясь в бессознательном состоянии в больнице, умирая, Климт словно рисует свои то ли воспоминания, то ли сны. Воспоминания превращаются в последнюю возможность творить. Интересно снят момент перехода Климта из воспоминаний в смерть. Этот эпизод с заснеженной комнатой скользит где-то между Андреем Тарковским и Тео Ангелопулосом.

 

«Гойя в Бордо» (1999, Испания, Италия, режиссёр Карлос Саура)

Основные события этой картины разворачиваются в последние годы жизни художника, что понятно из названия. В 1824 году, за 4 года до смерти, Гойя бежал из Испании по политическим мотивам и осел в Бордо. Значительный испанский режиссёр Карлос Саура показывает болезнь Гойи, его отношения с юной дочкой, его щемящие воспоминания о герцогине Альбе, с которой его могли связывать любовные отношения в реальной жизни. Здесь стоит отметить, что герцогиню Альбу играет Марибель Верду («Лабиринт Фавна»), а пожилого Гойю – Франсиско Рабаль («Назарин», «Виридиана»).

Начинается фильм зловеще и живописно. Сначала нам показывают отрубленную [предположительно] баранью голову (отсылка к натюрморту Гойи «Натюрморт с рёбрами и головой ягнёнка – прилавок мясника»), далее – уже подвешенную обезглавленную тушу (возможно, это отсылка к натюрморту Рембрандта «Туша быка»). Отлично сделан момент перехода от плоти подвешенной туши (похожей, к слову, на глину) к лицу старого Гойи. Режиссёр, словно скульптор, вылепляет лицо Гойи из подвешенной плоти. Если хотите: Гойя как бы появляется из натюрморта Рембрандта. Живописность начальных кадров высока. Например, кадр с изображением гусей на кухонном столе выглядит как ещё один идеальный натюрморт. Интересно, что оператором тут выступил итальянец Витторио Стораро, трёхкратный обладатель «Оскара» (достаточно сказать, что он снял «Апокалипсис сегодня»). Если говорить коротко, то «Гойя в Бордо» – тяжёлое и сумрачное путешествие в последние годы жизни Гойи. Впрочем, лёгкости повествованию добавляет великолепный саундтрек, в котором особенно выделяется анонимное сочинение XVII века «No hay que decirle el primor».

 

«Караваджо» (1986, Великобритания, режиссёр Дерек Джармен)

Неудивительно, что режиссёр Дерек Джармен выбрал для своего очередного фильма в середине 80-х именно фигуру Караваджо. Джармен, умерший в 1994 году от СПИДа, был режиссёром-новатором и бунтарём своего времени. Караваджо (1571–1610) – фигура яркая и противоречивая, под стать британскому режиссёру. Караваджо был не только художником-новатором, но и бунтарём ещё более радикальным, чем Джармен. В разное время Караваджо обвинялся в убийстве, убегал от правосудия, попадал в тюрьму. На основе всех этих историй можно было снять лихой приключенческий фильм, но Джармен делает чувственную драму в своей особой, почти панковской эстетике (вспомним, что Джармен снял один из главных панк-фильмов 70–80-х «Юбилей»). Джармен начинал как театральный режиссёр, работал художников над фильмом Кена Рассела «Дьяволы» (этот фильм мы неоднократно упоминали в наших топах). «Караваджо» в итоге воспринимается как квинтэссенция подобного опыта Джармена. Чувствуется, что это работа настоящего и смелого художника, для которого кадр обладает почти плотской притягательностью и сочностью, а весь фильм предстаёт как целое любимое тело. Мы видим, как Караваджо работает над своими полотнами, как он общается с натурщиками, как тяжело болеет и умирает. Фильм при этом не выглядит достоверной исторической драмой, это скорее вневременная фантазия, предвещающая такие фильмы, как «Трагедия мстителя» (2002), где временные пласты стираются на грани театра и панка. «Караваджо» – самая необычная биография художника в нашем топе. Отдельно можно отметить актёрский состав. Тут есть не только любимая актриса режиссёра Тильда Суинтон, но и молодой Шон Бин.

 

«Уильям Тёрнер» (2014, Великобритания, Франция, Германия, режиссёр Майк Ли)

Майк Ли – заметная фигура в современном британском кинематографе, обладатель «Золотой пальмовой ветви» и «Золотого льва». Он известен как режиссёр, умеющий изображать быт и отношения обычных людей. Также он внимателен к подбору актёров и лиц, к поведению людей в кадре. Проще говоря, это режиссёр, снимающий кино для людей и про людей. Под его руководством фильм о крупном британском живописце Уильяме Тёрнере (1775–1851) получился медленным и обстоятельным. Сразу стоит отметить удачный кастинг: Тимоти Сполл в роли Тёрнера – невероятно точный выбор, что и было отмечено в Каннах, где актёр получил приз за лучшую мужскую роль. Сполл прекрасно изображает немолодого Тёрнера. В его исполнении известный маринист и мастер пейзажа больше похож на старого пирата: угрюмый, сопящий, в любой момент готовый осклабиться – почти Джон Сильвер, только с двумя ногами. Добрая половина фильма держится на харизме Сполла. Тем интереснее, что этот неповоротливый персонаж пишет столь воздушные картины, дышащие смелостью и свободой.

Ли рассказывает об отношениях Тёрнера с его стареющим отцом, женщинами, коллегами. В фильме показан исторический момент, когда художник решает завещать своё творческое наследие британской нации. Кроме того, мы видим, как рождаются замыслы известных картин «Последний рейс корабля «Отважный»» и «Дождь, пар и скорость». Узнаём остроумную историю появления буя на картине «Выход в море». Мимоходом режиссёр рассказывает нам и о музыкальных пристрастиях Тёрнера (Генри Пёрселл), и о живописных (Клод Лоррен). Фильм при всей своей неторопливости и сдержанности оказывается необыкновенно информативным и красивым. Его можно смело советовать не только любителям живописи, но и всем поклонникам настоящего британского кино.

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *